martes, 18 de marzo de 2014

ARQUITECTURA BARROCA ITALIANA



ITALIA
La sede de la cristiandad es el símbolo espiritual del Catolicismo y
se convierte en un mito del arte barroco debido a las modificaciones y construcciones que se levantan durante este período.
Con el Papa Sixto V (1585-90) se lleva a cabo una reforma urbanística en la ciudad, trazando calles rectas y anchas, con amplias plazas que destacan las fachadas de las iglesias y obeliscos que señalan los lugares más importantes. Fuentes de enorme tamaño , escultóricas y teatrales, decoran las plazas. Desde la plaza de San Pedro a la Fontana di Trevi toda Roma se llena de recursos escenográficos , ocupando fachadas de palacioes e iglesias y sus fantásticos interiores.

ARQUITECURA BARROCA ITALIANA
El Barroco surge en Italia y aquí se hallan los prototipos de la arquitectura barroca. La arquitectura italiana se distingue por el empleo de la columna, la decoración de mármoles polícromos, bronces, mosaicos…Es una época colorista y lujosa.
El primero período es el del barroco más calmado y contenido, el más clasicista, hasta 1630
Carlo Maderno (1556-1629) destaca en este primer período. Termina la Basílica de San Pedro confiriéndole finalmente planta basilical, abriendo capillas laterales y con una fachada donde emplea el orden gigante y un robusto ático, que oculta en parte la cúpula de Miguel Ángel, a pesar de que concibió dos torres a ambos lados para enmarcar su visión, torres que no se llegaron a realizar.
La iglesia de Santa Susana, en Roma, sigue el ejemplo de la fachada del Gesú, pero le da mayor esbeltez y plasticidad, es decir, más volumen, a sus dos cuerpos unidos por aletones. La cercana iglesia de Santa María della Vittoria, de Soria, sigue un esquema semejante.



Pero de 1630 a 1700 entramos en el auténtico barroco, con un protagonista, Bernini. La decoración se desborda en esta etapa.
Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)  es un artista que sigue el modelo renacentistas: arquitecto, escultor y pintor, trabajará siempre muy ligado al Papado y sus obras le darán a Roma el aspecto de ciudad barroca y triunfal.
En uno de sus primeros encargos, el Baldaquino de San Pedro, realiza una obra arquitectónica. Trata de focalizar la atención en la cúpula de Miguel Ángel, situando el baldaquino justa debajo, ya que con la ampliación de Maderno el espacio se había hecho inabarcable.




El baldaquino se levanta sobre cuatro grandes columnas salomónicas y el remate en brazos curvos que soportan una rica decoración.  A medida que el espectador se acerca, la estructura cobra vida y muestra la decoración que la recubre : ángeles y niños que cubren el dosel , el globo terráqueo con la cruz, las ramas de olivo que cubren las columnas y las abejas sñínmolos de Urbano VIII, promotor de la obra.
En siguiente Papa, Inocencio X, no cuenta con él y se dedica a arealizar esculturas. Con el Papa Alejandro VII realizará su mayor obra, la Columnata de la Plaza de San Pedro,1656-1667,  que Bernini concibe como un gran atrio, destinado a la celebración de ceremonias con miles de peregrinos , en forma escenográfica, teatral y grandiosa con la basílica al fondo, cuya fachada se halla realzada por la suave pendiente de la plaza. Además el papa puede ser contemplado desde cualquier punto.

 Bernini crea un espacio dinámico al dotar de planta elíptica  a la inmensa columnata, que recibe como un gigantesco abrazo a los fieles. Las columnas de orden toscano de 15 metros de altura , alineadas de cuatro en cuatro, en mármol travertino, crean un fuerte efecto de claroscuro y tras atravesarlas como si de un bosque de columnas se tratara, el efecto sorpresa al contemplar la plaza y la fachada es evidente.Remata la columnata por una balaustrada con esculturas de 140  santos y mártires.
Pero Bernini no solo logró realzar la visión de la fachada de Maderno si no también de la cúpula de Miguel Ángel, que había quedado parcialmente oculta por la fachada. Concibe un espacio de brazos rectos pero divergentes hacia la fachada, que ascienden en terrazas. Bernini , gracias a una sere de recursos ópticos, resta horizontalidad a la fachada y convierte la cúpula en el eje visual dominante. Al situar un obelisco en el centro de la plaza, consigue que el espectador se desplace para observar la cúpula desde distintos puntos de vista.
Bernini se convirtió con esta plaza en el precursos del urbanismo barroco, creando una arquitectura dinámica e integrada con el entorno.
Ya en su madurez y tras haber sido solicitado en Francia para trabajar  en los proyectos en el Louvre ,donde hizo el baldaquino de la iglesia de Val-de-Grace, realiza algunas iglesias entre las que se encuentra Sant´Andrea al  Quirinale, uno de los mejores ejemplos del uso escenográfico , mediante la unión de arquitectura, escultura y  ciclos de pintura, para lograr un clima emotivo . Se abre hacia el exterior una fachada en un pórtico curvo , coronado por un entablamento también curvo y relmatado en volutas que sostienen el escudo de la familia Pamphili. 
Todo es dinamismo en esta obra: su planta  es elíptica y los muros de su única nave sostienen una cúpula de base elíptica también. Los vanos horadados en la base de la cúpula van rematados con esculturas de ángeles. La linterna de la cúpula confiere un ambiente lumínico al espacio unitario, cambiante según la hora del día. 

Los nichos que se abren en el muro a modo de pequeñas capillas ,alternan plantas rectas y curvas. Todo el espacio interior se cubre de ricos mármoles polícromos, bronces dorados…que reflejan la luz del sol.



Bernini trabajó también en otras iglesias como Santa María de la Asunción en Arciccia o en construcciones civiles como el Palacio Barberini o el Palacio de Odescalchi.
Realizó también el el Vaticano la Scala Regia, donde obtiene un espacio ilusorio, utilizando un trompe l´oeil , por medio del empleo de la iluminación y las formas clásicas, ya que va haciendo converger las columnas y las va adelgazando , haciendo parecer la escalera más larga de lo que es.


Francesco Borromini (1599-1667)
Arquitecto dotado de una gran formación técnica y gran creatividad que le permitirá romper con la tradición, influye hondamente en la arquitectura europea con sus innovaciones.
Su carácter depresivo influyó en el hecho de que consiguiera muchos menos encargos que su coetáneo Bernini y consiguió encargos más modestos pero sus obras, a pesar de ser de reducido tamaño, reflejan una gran pureza.
Una de las obras que refleja mejor su estilo es San Carlo alle Quattro Fontane , conocida como San Carlino

La iglesia y el claustro ( 1638-41) son su primera obra y la fachada es la última (1665-1667). La iglesia se levanta sobre un solar pequeño e irregular y Borromini concibe una planta ovalada y llena de sinuosidades. El muro, con sus ondulaciones, es el que da unidad espacial al edificio. Las dieciseis columnas de orden compuesto contribuyen  a darle ritmo al muro  y junto con el entablamento que sostienen confieren mayor sensación de unidad al conjunto.Un espacio intermedio sobre el entablamento, a base de arcos de medio punto y pechinas sostiene la cúpula, oval, decorada con casetones geométricos que disminuyen de tamaño a medida que ascienden siguiendo las leyes de la perspectiva y hciendo la cúpula parecer más alta de lo que realmente es. Los juegos de luces crean la sensación de que la cúpula brilla suspendida en el espacio.
Por último la fachada se concibió en dos pisos que combinan orden gigante y columnas normales. Se sitúa en una calle angosta y debe adpatarse a una perspectiva forzada esde los ángulos y a un cruce de calles donde las esquinas están achaflanadas.  Combina el sentido horizontal del piso inferior con la sensación ascendente que confiere el gran medallón al piso superior y toda la fachada queda envuelta en un juego de curvas y contracurvas , salientes cónvavos y convenxos que crean una fachada de inusitado dinamismo, un espacio de exuberante fantasía en lo decorativo que abarca hasta el más mínimo detalle.
En el Oratorio de los Filipenses Borromini diseña una fachada cóncava, excepto en el contro el el primer piso. Es un ejemplo del urbanismo de fachadas de la Roma de Sixto V.

En la iglesia de San Ivo alla Sapienza , en la universidad de Roma, levanta una fachada al fondo de un patio, que atrae la mirada con una gran curva cónvava a la que se contrapone la cúpula que se desarrolla en espiral. Le concibe una planta estrellada prolongada en la cúpula.
También trabajó Borromini en la remodelación de la Piazza Navona al levantar la iglesia de Sant´Agnese . La concavidad de la fachada queda enmarcada por dos recias torres  y por la impresionante cúpula que la corona.


SantÍvo alla Sapienza


 SAN JUAN DE LETRÁN
Borromini realizó muchos otros encargos como la reconstrucción de San Juan de Letrán, San Andrea delle Fratte, el Colegio de Propaganda Fide o el Palacio Spada, donde inspirándose en Palladio crea una columnata que con un ingenioso trompe lóeil parece mucho más larga de lo que es.

Pietro da Cortona (1696-1669) es otro importante arquitecto y pintor romano. En su obra muestra preferencia por los elementos plásticos y los contrastes lumínicos que generan columnas y pilastras. Las fachadas se insertan en la ciudad, como el magnífico pórtico de Santa María della Pace, con con alas cóncavas de telóm de foondo y un cuerpo coonvexo que sale al encuentro del espectador al fondo de la pequeña calle que la alberga.

El tardobarroco romano tiene sus mejores ejemplos en arquitectos como Francisco de Santis con su escalinata de la Piazza di Spagna crea un espléndido conjunto escenográfico y urbanístico y Nicola Salvi, con la Fontana di Trevi, fachada palaciega que se convierte en fuente, y que con su gigantesco tamaño invade una plaza de reducidas dimensiones.
Fuera de Roma, en Venecia , persiste la influencia de Palladio. Longhena (1698-1682) incorpora las preocupaciones de Bernini y Borromini conjugadas con motivos palladianos. En su iglesia de Santa  María della Salute crea un espacio centralizado donde se impone una gran cúpula apoyada en unos remates en espiral de fuerte plasticidad.
En el Piemonte destacan Guarino Guarini , que emana fuerte influencia de Borromini en obras como la capilla del Santo Sudario de la catedral de Turín o el palacio Carignano.
De la última generación de arquitectos romanos destaca Filippo Juvara (1678-1736) que diseña el nuevo Palacio Real de Madrid en un barroco académico ; a su muerte será Sacchetti quien continúe su labor.

EL ARTE BARROCO: CONTEXTO HISTÓRICO Y ARTÍSTICO


Paradójicamente, en la época del barroco, arte brillante y opulento, Europa vive una difícil situación  y un viejo fantasma vuelve a asolar el continente , la peste, asociada a las hambrunas.
Durante el siglo XVII , Europa asiste a la lucha por la hegemonía europea entre dos monarquías absolutas ,la España de los Austrias , en pleno declive y  la Francia de Luis XIV. También a  la independencia de los Países Bajos , conseguida tras la Guerra de los Doce Años. De esta guerra nace Holanda como una república comercial y calvinista, mientras que la católica Flandes seguirá dependiendo de España.
La monarquía absoluta se convierte en la forma de gobierno de Francia, con Luis XIV, mientras que en Holanda e Inglaterra triunfan las fórmulas parlamentarias gracias a la lucha de la burguesía por el poder.
En la Europa central se desarrolla la guerra de los Treinta Años, entre católicos y protestantes y en la que se vieron envueltas las grandes potencias europeas. Esta guerra y la posterior guerra franco-española acarrearán una época de malas cosechas, hambrunas y un viejo fantasma vuelve a asolar Europa, la peste.
 Los monarcas absolutistas al frente de grandes Estados se imponen en el plano político y la Iglesia católica se reafirma en sus dogmas en la Contrarreforma; unos y otros utilizan el arte como medio propagandístico, el arte Barroco.
El arte en el contexto del siglo XVIII
El arte del siglo XVII y primera mitad del XVIII reflejará la variedad y riqueza de los diversos territorios europeos y americanos
El desarrollo de las ciencias con personalidades como Descartes, Francis Bacon o Galileo , hizo que el arte perdiera el  papel  que tenía en el Renacimiento como instrumento de conocimiento de la realidad objetiva y racional.
Gracias a la capacidad y técnica de los artistas y a las experiencias renacentistas, el arte inicia un camino independiente de la ciencia. Los artistas obtendrán gran reconocimiento social.
El término barroco tuvo una acepción despectiva desde mediados del XVIII pero en la época en que se desarrolló desde finales del XVI a principios del XVIII tuvo muy diversas formas de expresión , desde el clasicismo del barroco francés, al recargamiento decorativo de los dominios americanos. Los países más exaltadamente barrocos fueron los católicos.  No en vano el estilo comienza a desarrollarse al amparo de la Contrarreforma católica en Roma.
El barroco nace como un arte propagandístico. La Iglesia católica se reafirma en su dogma y se apoya en la guerra , la diplomacia, el arte y en instrumentos tan eficaces como la Compañía de Jesús.

El arte asume, como en el Medievo, una finalidad didáctica colaborando en la difusión de los dogmas puestos en duda por la Reforma protestante. : la Virgen , los Santos etc.
La Contrarreforma necesita un arte al servicio del Catolicismo y lejos de la sobriedad y del intelectualismo del protestantismo, el arte católico quiere conmover , emocionar, encauzar las pasiones y conducirlas hacia la fe. El arte se vuelve imaginativo, sensual, dinámico y cargado de riqueza. El arte debe persuadir.
En los países católicos el arte es primero propaganda y después, celebración del triunfo de la fe. En los protestantes en cambio, será la expresión del refinado gusto burgués por lo cotidiano y en las potentes monarquías europeas, medio de afianzamiento del poder.
El  barroco expresa el estado de la sociedad de su tiempo. Es un arte brillante, ostentoso. Con él se expresa el poder de los grandes monarcas, la fluyente riqueza de los Estados y la próspera situación del Catolicismo.

El barroco juega con los sentidos, con los artificios que engañan para convencer de que lo que vemos es real. Es un arte teatral y efectista, mezcla de realidad e ilusión para hacer partícipe al espectador.
Estrictamente hablando, arte barroco es aquel que se extiende desde los primeros años del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII. Se engendró en Italia desde fines del siglo XVI, siguiendo la Contrarreforma religiosa. Los países más exaltadamente barrocos fueron Italia, Alemania y España con sus dominios americanos.
La elocuencia va a ser uno de los principales conceptos de la estética del siglo XVII. Interesa enseñar, emocionar y deleitar a través de la ilusión. Lo retórico mezcla lo verdadero con lo probable y de ahí nace el convencimiento del espectador. El Barroco es  un estilo que ofrece una versión subjetiva de la realidad. La sociedad exige un arte que motive  y que emocione. El naturalismo alcanza altas cotas pero no es un fin el sí mismo sino que el fin último es comunicar, atraer, persuadir y convencer a través del espectáculo.
Las artes se interrelacionan: pintura, escultura y arquitectura se confunden y se mezclan en una estética ampulosa , dinámica y teatral .
Se reconocen distintos períodos en el Barroco:
-       Hasta 1630- es un estilo más calmado y clásico.
-    De 1630 a 1700 la decoración se desborda y el arte se vuelve más fantástico y decorativo.
-     En la primera mitad del siglo XVIII conviven un barroco más purista  y clásico (vitrubiano) con el Rococó, estilo amante incontenible del arabesco, de la decoración superflua y estilo característico de la aristocracia que poblaba los salones de las cortes europeas.

LA ARQUITECTURA
La arquitectura barroca aparece como la más importante de las artes, subordinando a las demás en un conjunto unitario.
Los edificios se llenan de movimiento. Los elementos arquitectónicos adquieren extraordinaria potencia. Se utilizan enormes columnas, de orden gigante, que sustituyen a la superposición de órdenes; enormes cúpulas y cubiertas abovedadas que a veces prolongas sus límites con grandes frescos. Las columnas salomónicas de fuste helicoidal, contribuyen a la sensación de dinamismo que invade todo el edificio: se rompen frontones, se abren nichos, vuelan cornisas… Los edificios han de observarse desde otras perspectivas , no desde el frente.  Toda la arquitectura se llena de movimiento y ritmo.
El urbanismo tendrá un gran peso en el Barroco. Se valoran los efectos perspectivos en las ciudades, se crean espacios comunes en plazas colosales, surgen jardines concebidos con criterios urbanísticos. Plazas y fuentes, iglesias y palacios llaman la atención del espectador para emocionarlo y sorprenderlo.
Las iglesias siguen el modelo del Gesú, espacio unitario, con una nave y capillas laterales que permiten desplazarse entre ellas, un espacio que fije la atención del espectador, como si de un teatro se tratara, en el predicador, gracias a la acústica y a la luz. Una gran cúpula sobre el crucero centraliza el espacio interior y atrae desde el exterior. Los abundantes elementos decorativos: mármoles, estucos, bronces…desdibujan los límites de la arquitectura y crean un ambiente que emocione al espectador, que embargue sus sentidos.


Los límites entre las diversas artes se desdibujan para crear una realidad ilusionista: la pintura recrea falsas arquitecturas, las esculturas impiden diferenciar la decoración de la estructura, los espejos crean equívocos.
LA ESCULTURA
La base  de la escultura barroca es el naturalismo. Pero el artista, más que interpretar la naturaleza, lo que hace es observarla, sorprenderla y copiarla, dejando a un lado la idealización, la refleja con todo realismo. Las figuras barrocas representan pasiones y sentimientos. Si el Renacimiento representa el ethos, el Barroco se distingue por encarnar el pathos. Gustan de representar sentimientos exaltados. Así, el sentimiento religioso es uno de los preferidos por ser uno de los más elevados. No se trata de describirnos lo que ha pasado si no de hacérnoslo sentir.
La escultura religiosa barroca hace hincapié en aquellos temas rechazados por la reforma: santos y vírgenes son sus temas preferidos. El repertorio de temas religioso se agranda considerablemente.

Nunca se ha representado en sentimiento con tanta evidencia. También lo cruel , horrible y espantoso tiene cabida: martirios de santos, castigos de herejes y sepulcros donde triunfa la representación del espeluznante cadáver putrefacto.
Para conseguir todo esto el escultor se vale del movimiento, en acto, no en potencia. Se componen cuerpos con líneas abiertas, creando diagonales, donde brazos y piernas se abren al espacio que las rodea. Se abandona la simetría y se utilizan los escorzos. Los ropajes se llenan de movimiento  creando fuertes contrastes de luz y sombra.
Además del tema religioso , el mitológico en Italia y Francia y  el retrato van a ser los géneros más recurrentes.
PINTURA
Al igual que en la escultura, la búsqueda de la realidad a través de un acentuado realismo , va a ser la característica fundamental.  El ansia de veracidad les lleva a sentirse atraídos por diversos aspectos de la naturaleza desembocando en el cultivo de nuevos géneros como el paisaje como género independiente o el bodegón mientras que el retrato vive ahora su momento de esplendor. Asimismo la temática religiosa, en la que se cultivan escenas de martirio, va a ser de las más recurrentes.


Es una pintura expresionista que recurre a aparatosos efectos para impresionar al espectador. El color dominará sobre el dibujo, la pincelada es suelta, amplia, con manchas de color que sustituyen al dibujo preciso del Renacimiento.
La luz define las formas. El papel hegemónico de la luz es la otra gran característica . Se recurre al claroscuro, brusco contraste entre la luz y la sonbra que logra un efecto muy teatral e impactante en el espectador.
Se busca el movimiento, el dinamismo, las composiciones pierden su tradicional ordenación equilibrada y simétrica para abrirse en diagonales. Las posturas son inestables, las líneas sinuosas y onduladas contribuyen a ello.
 La perspectiva aérea será protagonista de muchas obras, creando sensación de profundidad. A ello contribuyen también los violentos escorzos y el inteligente uso de la luz, oscureciendo primeros planos y obligándonos a buscar más allá.
Se abandona el temple y la tabla y se trabaja óleo sobre lienzo y los frescos en bóvedas de templos y palacios creando pinturas ilusionistas que parecen abrirse al cielo.
El barroco tiende a lo grandioso y lo monumental aunque el Norte de Europa , el mundo protestante, preferirá las escenas de género que reflejen el acomodado mundo de su burguesía y el sur de Europa, católica , opta por los temas religiosos.

lunes, 6 de mayo de 2013

IMPRESIONISMO Y NEOIMPRESIONISMO


Introducción
Después del fracaso de la Comuna de París (1871) y la brutal represión que sufrieron las clases populares  (más de 20.000 muertos), con la III República, la burguesía se consolida en el poder. El desarrollo del capitalismo y la industrialización desencadenan un período de crecimiento sin precedentes. Los avances científicos, la introducción de nuevos materiales y la nueva concepción de la naturaleza van a revolucionar el arte.  Los conceptos de espacio y tiempo se transforman con la revolución de los transportes, la fotografía permite observar detalles que el ojo humano no percibía. Ante todo este mundo en plena transformación, el arte pictórico ofrece dos caminos: simbolismo e impresionismo que suponen el fin del ciclo pictórico iniciado en el renacimiento y el comienzo del arte contemporáneo .



Durante el siglo XIX los artistas aspiraban a exponer su obra en los Salones o Exposiciones Nacionales. El rechazo de su obra, por no ajustarse a los parámetros de lo considerado  de “buen gusto”,suponía un fracaso. Courbet ya había tenido que exponer su obra por su cuenta. Y en 1863 el mismo emperador Napoleón III influyó para que se organizara una exposición con estos pintores ; se le llamó Salón de los Rechazados , entre los que estaba Edouard Manet, Monet, Renoir y Pissarro.
Entre 1874, primera exposición impresionista , y 1886, estas exposiciones van minando la credibilidad del arte “oficial”.
El  Impresionismo nace como derivación del Realismo. El Realismo pinta la existencia, el Impresionismo, la apariencia. El Impresionismo se forma en París entre 1860-1870 : artistas defensores de la pintura pura, sensitiva y opuesta al arte academicismo.
Antecedentes
La preocupación por la luz y sus efectos ya estaban presentes en los maestros de la pintura veneciana y en otras pintores barrocos como Hals, Rembrandt o Velázquez, que con su fluida pincelada captaban la atmósfera, pero también en maestros más recientes como Goya, Constable y Turner.
Pero estas preocupaciones son sistematizadas y teorizadas. El primer pintor , surgido del realismo, que lleva la pintura alos postulados Impresionistas es Manet.
Características
-  El objeto es un puro pretexto. Todo parte de lo que el ojo ve sin prevención, sin ideas preconcebidas.
- Se desdeña la forma, que supone una idea a priori, se ignora la línea, el volumen, el claroscuro. Fija impresiones momentáneas de la Naturaleza.
- Busca el contacto al aire libre (pintura a plein air)
- Preocupación luminosa: pintan reflejos, rayos de sol a través de los árboles, agua.
- El tema es un pretexto para captar la luz y la atmósfera. El paisaje es el valor primordial excepto en Degás.
- Se acaba la iconografía en la Historia del Arte. Eliminan toda intención social.
- No mezclan colores en la paleta. Siguen los postulados de Chevreul y Maxwell: utilizan colores primarios y complementarios combinados, que observados a cierta distancia contrastan fuertemente reforzándose entre sí. Dos colores primarios juntos se convierten en gris. No hay negro, que es la negación del color. Solo Manet o Renoir lo utilizan.
- Técnica abocetada, rápida , con manchas de color, que observadas a cierta distancia adquieren forma.
- No hay composición: acotan un trozo de Naturaleza en el espacio y en el tiempo.
Dos influencias que recibe:
- La Fotografía- que le quita prestaciones sociales al pintor; el pintor se dedica entonces a hacer una actividad de élite. Pero le ayudó a observar aspectos de la Naturaleza que antes desconocían.
- Grabado japonés- llega a Europa  e influye en la supresión de puntos de fuga, valorar la expresión de la línea o utilizar enfoques inusuales así como la eliminación de la composición o la captación del ambiente lumínico.

La concepción impresionista del mundo se basa en el estar, no en el ser, en la poética de lo efímero, del tiempo que pasa y nunca vuelve a repetirse.

El precursor : Edouard Manet  (1832-1883)
 Burgués , de amplia formación artística y realista de origen, se interesa por lo exótico, lo pintoresco pero también por Tiziano, Rafael , la pintura española del siglo de oro: Velázquez y Goya. Su obra es transición entre Realismo e Impresionismo. Decía que su maestra era la naturaleza

El almuerzo sobre la hierba-1863- el tema, inspirado en Giorgione, se consideró inmoral. La técnica, a grandes
 manchas claras y oscuras se consideró un atentado al buen gusto. Inspirado en El concierto campestre de Giorgione y en Tiziano, destruye aquí cualquier referencia mitológica.La figura femenina del primer plano parece estar desconectada con el resto, con los dos hombres vestidos de época , en especial. Las violentas manchas de luz contrastando con otras en sombra, sin gradaciones de colores escandaliza igual o más que la temática. Por ello se ve obligado a exponerlo en el salón de los Rechazados.

El fusilamiento del Emperador Maximiliano- Está inspirado en Los fusilamientos de Goya

Olimpia- 1865-  Inspirada en la Venus de Urbino de Tiziano, Manet  aquí pinta una prostituta. La fuerte mancha lumínica de Olimpia contrasta fuertemente con las manchas negras de la criada o el gato.

Desde 1872, influencia de Impresionistas; aclara su pintura y la aboceta.
La Nana- juegos de brillos y reflejos. Luz en el espejo.
En El pífano tiene como referencia los retratos de Velázquez realizaos a bufones de la corte pero prescinde de la atmósfera envolvente y recorta al muchacho con una luz brillante y fuerte colorido sobre el fondo neutro.

Camarera del Folies Bergere- involucra al espectador, las sensaciones inmediatas de los reflejos de luz en el espejo son protagonizan el cuadro.

Manet fue líder en torno al cual se reunían los jóvenes impresionistas en el Café de Guerbois.

Las Tullerías, Manet

En 1874 , en el estudio del fotógrafo Nadar, se da a conocer 
por primera vez el movimiento impresionista. El cuadro de Monet Impresión, Sol naciente (1872)  sirve de pretexto a un crítico para bautizar irónicamente al grupo con el nombre de Impresionistas.


Claude Monet (1840-1926) - Es el gran impresionista. Influido por Manet hace un asalto a la realidad, pinta al aire libre. Colorido lumínico. Elimina el negro de la pintura. Estudia las reverberaciones del agua., capta la inmediatez eliminando la perspectiva y la iluminación fija.
Mujeres en el jardín.
En 1874 expone “Impresión, sol naciente” .Dos críticos y el marchante Durand-Ruel comprendieron la importancia del movimiento.
En 1870 va a Inglaterra con Sisley, donde le influyen Constable y Turner.
Pinta las series de la Estación de San Lázaro, Catedral de Rouen - le interesa el cambio según la luz a diferentes horas del día.


La luz y el color son los protagonistas indiscutibles de su obra. Prescinde del dibujo. Aplica pinceladas cortas y enérgicas en las que se yuxtaponen los colores observados a cierta distancia por las leyes de la óptica.

Años 80-  pasando por una situación personal dolorosa como fue la muerte de su mujer se inclina por paisajes invernales.
Invierno en Vetheuil
Monet fue despreciado por la crítica hasta que en los 90 consigue prestigio internacional.  
                       
Al final de su vida en Giberny , casi ciego, hace un panel de 18 
metros de la madrugada al ocaso, donde hace una reflexión sobre la existencia: el mundo es una realidad en continuo cambio.


Auguste Renoir (1841-1919). Es más sensual, refleja la alegría de vivir. Aunque en un principio colaboró con Monet rn la disolución de las formas a través de las vibraciones luminosas recupera  más tarde la plenitud de formas y colores. Recupera la preocupación por la figura, sobre todo femenina, de formas potentes. Utiliza el negro, al igual que Manet.
Moulin de la Galette- 1878- Bullicio de las terrazas, luz colándose por los árboles.

En 1870 viaja a Italia y vuelve a lo que el considera la pintura buena, Rafael, Ingres.
En torno a 1884  pinta: Bañistas, formas femeninas   inspiradas en la pintura clasicista.


Sin embargo hacia el final de su vida encuentra un equilibrio entre la pintura impresionista y la clásica : las Bañistas  pintura con mucha pasta, colores suntuosos, encarnación de plenitud mediterránea.







Alfred Sisley (1839-1902)- Muy próximo a Monet y a Pissarro. Pintura delicada y emotiva, sentimiento poético de la Naturaleza que le impide llegar a las descomposiciones lumínicas a las que llegan Monet o Renoir, transmitiendo su obra una sensación de reposado equilibrio.
Inundaciones en Port Marley-

Camille Pissarro (1830-1902) - También es moderado, Influido por Corot y Millet, está muy arraigado en la pintura tradicional. Prefiere ambientes campesinos, paisajes de tierra. La armonía cromática y la solidez de las formas  influirán en Cézanne.
Tejados rojos

Durante una época aplica los principios del Impresionismo Científico, de Chrevreul y hace cuadros a base de toques de color puro , puntillismo : Primavera en Pontoise. Estos postulados no le convencieron.

Edgar Degás (1834-1917)- Es el más atípico. Sus temas son sobre todo de interiores: escenas de café, ballet, tiendas. Prefiere luces fijas y artificiales y el objeto en movimiento. Valora la línea frente a la mancha. Su pintura es de trazo entrecortado, quebrado y nervioso. Hace asaltos a la realidad con enfoques insólitos. Aportaciones de Degás al Impresionismo :
- captación de los movimientos más sutiles: gestos precisos , repetidos por la costumbre o por la disciplina.
revolucionarios enfoques espaciales, muy influídos por la fotografía : La toilette

Obras : Músicos en la orquesta, Planchadoras, El baño. La bebedora de ajenjo etc.



NEOIMPRESIONISMO
Los descubrimientos de Chevreul se amplían y la luz se concibe como la combinación de varios colores. Algunos pintores como Seurat (1859-1891) intentarán reconstruir la realidad de una forma rigurosamente científica. Se inicia así el puntillismo o divisionismo. Se

1884- Seurat expone en el Salón de los Independientes “Un Domingo en la Grande Jatte”- que supone la ruptura con el naturalismo anterior. Aplica los principios divisionistas. Sus cuadros son modelos de orden y claridad, de masas puras. La pincelada se ajusta al principio de la división de tonos : manchas que se funden  en la distancia. El tema era un pretexto.

1886-Estos Impresionistas, llamados científicos, rompen con el Impresionismo.
 Baño en Asnieres, en algunas zonas aplica pinceladas más largas y en otras partes los  principios puntillistas. Cuida la composición.

Domingo de verano en la Grande Jatte

Por estos años se difunde el Impresionismo por otros países : en España, Regoyos y sobre todo Joaquín Sorolla : pintó como nadie el agua sobre los cuerpos, con reflejos del sol, el las playas de Valencia: Paseo en la playa
Niños en la playa